Per la settimana di Natale vi propongo, il cult dei cult, il fondamentale, la base, il mito: Highway 61 Revisited dell’immortale Bob Dylan.
Il disco del 1965 racchiude diversi generi musicali: in primis il rock and roll, poi il folk e il blues.  Un lavoro rivoluzionario, non solo per i contenuti dei testi, veri e propri inni di una e più generazioni, ma per il suono, anticonformista e pieno di contaminazioni.
Senza paura, senza aspettative, questo disco sembra essere più un lavoro diretto all’artista stesso che al pubblico. Dylan non ha paura di sfogare la sua rabbia, non ha paura di mescolare il blues con le chitarre elettriche e il folk con il rock and roll.
Una lunga autostrada la highway 61, che attraversa l’America da nord a sud fino alla musicalmente fertilissima Louisiana.  Questo lavoro è quindi,sostanzialmente, un viaggio in cui Bob Dylan si apre alle diverse influenze musicali americane con grande curiosità e desiderio di scoperta e contaminazione. È album che sa di America, quella autentica, non quella patinata, ma quella vera della campagna, delle periferie, delle fumose città, della gente comune. Con un tono forse meno di ribellione e di palladino dei diritti civili, ma comunque diretto e senza censure, Bob Dylan racconta sé stesso come se stesse vomitando: senza riuscire a contenersi e senza formalismi.

A Natale rispolverate questo cult, perché ogni tanto fa bene chiedersi “how does it feel” , o se non altro per risentire il magico suono dell’armonica hammond.

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For Christmas week I suggest you, the cult of the cult, the fundamental, the basic, the myth: Highway 61 Revisited by the immortal Bob Dylan.
The album of 1965 contains different kinds of music: rock and roll at first, then the folk and blues. A revolutionary work, not only for lyric contents , hymns for generations, but for the sound, unconventional and full of contaminants.
Without fear, without expectations, this album seems to be more for the artist himself than for the pubblic . Dylan is not afraid to give vent to his anger, not afraid to mix the blues with electric guitars and folk music with rock and roll.
A so long highway, the highway 61, which crosses America from north to south, finally to the musically fertile Louisiana. This work is therefore essentially a journey in which Bob Dylan opens himself to different American musical influences with great curiosity and desire for discovery and contamination. This album tastes of America, the real one,  not the insincere one: the real campaign, the suburbs, the smoky city of ordinary people. Maybe with less rebel tone of the civil rights champion, anyway direct and uncensored, Bob Dylan tells himself as if he were vomiting: unable to contain himself, and without formality.

At Christmas, brush up this cult, because sometimes it good to ask “how does it feel”, or, at least, just to listen the harmonic Hammond magic sound.

Dopo qualche settimana di latitanza [cit…] eccomi di nuovo fra voi a raccontarvi un cult.
In queste giornate fredde e piovose, per sfuggire alla depressione,  vi consiglio un vellutato capolavoro soul : Songs in the key of life di Stevie Wonder.

Nel 1976, dopo un periodo di meditazione, il poliedrico musicista, compositore e autore americano sforna un vero e proprio capolavoro: 21 canzoni divise in due volumi (I e II), che colpiscono direttamente l’anima.
La voce di Stevie è limpida e cristallina ed è dominata da una tecnica vocale incredibile. Nonostante i vibrati e i complicati giochi di voce, resta sempre così opportuno e perfetto, mai eccessivo.
Ma non è solo la sua voce straordinaria a rendere questo disco un capolavoro: è il combinarsi di diversi talenti: quello di musicista (tastiere, batteria, bass keyboards, armonica ), di autore ( Wonder non è solo un banale poeta d’amore, ma spazia oltre, nell’intimità, nella introspezione, nell’attualità) e poi ovviamente quello di performer.
E’ un lavoro  che va dal soul più profondo e autentico al più movimentato funky- dance.
Stevie Wonder con questo album diventa definitivamente un punto fermo e ispirazione per il pop futuro.
Songs in the key of life: inimitabile e unica perla della musica dell’anima.

Vorrei solo riuscire a dimenticare le penose cover da karaoke di queste canzoni…

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After a few weeks absconding [cited ...] I’m back among you to tell a cult.
In these cold and rainy days, in order to escape depression, I recommend a velvet soul masterpiece: Songs in the Key of Life by Stevie Wonder.

In 1976, after a period of meditation, the multifaceted american musician, composer and author produces a true  masterpiece: 21 songs divided into two volumes (I and II), which directly affect the soul.
Stevie’s voice is crystal clear and is dominated by an amazing vocal technique. Despite the complicated games and vibrato voice he is always so appropriate and perfect, never excessive.
But it’s not only his extraordinary voice that makes this album a masterpiece: it is the combination of different talents as a musician (keyboards, drums, keyboards, bass, harmonica),  as author (Wonder is not just an ordinary poet of love, but goes beyond, in private, in introspection, in current) and then of course as a performer.
It ‘a work that goes from the deepest real soul to the exciting funky- dance.
Stevie Wonder with this album it is definitely a milestone and inspiration for the future of pop.
Songs in the Key of Life: pearl of the inimitable and unique music of the soul.

I just want to be able to forget the painful karaoke cover of these songs …

1998: Without you I’m nothing dei Placebo, un capolavoro dedicato agli animi sensibili, ai malinconici e a tutti quelli che hanno piena consapevolezza di quanto sia degradante vivere a questo mondo.
Un album nel quale si mescolano diverse influenze: The Cure, David Bowie, The Smiths.. un lavoro, senza la volontà di esserlo, ecletticamente inglese.
Le canzoni sono, principalmente, sostenute da basso e batteria, in molti casi autenticamente punk,  sui quali poi gratta una chitarra fredda quasi meccanica.
I testi sono intimi, psicologici nonché psicotropi (nonostante il loro nome).
Il solo modo in cui Brian Molko pronuncia ogni singola parola, fa venire i brividi: pulito, perfetto, privo di accenti, fascinosamente afflitto e sconfortato.
Un disco che tocca il lato oscuro dell’animo umano, quasi Leopardiano. Ma senz’altro godibile, che ti prende dentro.

Descriverlo come commovente sarebbe svilirlo, ma se le mie inquietudini avessero una voce sarebbe quella di Brian Molko nelle canzoni di Without you I’m nothing.

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1998: Without you I’m nothing by Placebo, a masterpiece dedicated to the sensitive spirits, to the sad people and to all those who have full knowledge of what is degrading to live in this world.
An album that mix different influences: The Cure, David Bowie, The Smiths .. a work, without the will to be, eclectically English.
The songs are mainly supported by bass and drums, in many cases truly punk, on which the guitar scratches, cold almost mechanical.
The lyrics are intimate, psychological and psychotropic (despite their name).
Only the way that Brian Molko pronounce every single word makes me shudder: clean, perfect, without accents, fascinatingly distressed and disheartened .
An album that touches the dark side of the human soul, as Leopardi’s poetry. Surely enjoyable, that involves you inside.

Define it affecting would be degradate it, but if my worries had a voice, would be Brian Molko in the songs of Without you I’m nothing.

Version 2.0 esce nel 1998 ed è il secondo album dei Garbage.
E’ una miscela interessante di alternative rock, elettronica, pop anni 90 e trip hop.
E’ un disco molto vario sia per le influenze sia per i toni: ballate morbide, ritornelli allegri, ritmi incalzanti e incazzati.

Il tutto è raccontato dalla voce di Shirley Manson, poliedrica “ragazza interrotta” che riesce a passare da sussuri profondi a vomitare rabbia  con assoluta disinvoltura.

Shirley recita la parte della ragazzina disadattata, ribelle, dissociata, anche un po’ emo. Ha però dei picchi di sensualità e dolcezza incredibili. La musica la segue sempre, sembra che tutte le canzoni siano costruite perfettamente su di lei, sui suoi umori e sulle sue tensioni.

Il fascino di questa frontwoman coniugato all’esperienza di tre musicisti e producer , tra cui Butch Vig ( leggi Nirvana e Smashing Pumpkins), creano uno degli album migliori degli anni ’90, anche solo per il fatto di aver avuto il coraggio di uscire dagli schemi dell’epoca. Senza paura hanno raccolto gli elementi di diversi generi musicali mettendoli insieme in modo veramente accattivante.

Da avere e mettere in playlist quando sei incazzata. Terapeutico.

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Version 2.0 released in 1998 and is the second album by Garbage.
It ‘an interesting blend of alternative rock, electronic, 90′s pop and trip hop. It is variagated for very different influences both tones: soft ballads, choruses cheerful, pressing and angry rhythms.

All this is narrated by the voice of Shirley Manson, multi-faceted ” interrupted girl”, she can switch from deep whispers to vomit anger easily.

Shirley plays the role of the misfit girl, rebel, dissociated, even a little ‘emo. She, however, can reach peaks of sensuality and sweetness incredible. The music always follows her , it seems that all the songs are perfectly constructed for her, on her moods and on her tensions.

The charm of this frontwoman conjugated with the experience of three musicians and producers, including Butch Vig (Nirvana and Smashing Pumpkins), create one of the best albums of the 90′s, only for having had the courage to get out of the box pop / rock era. Without fear they have collected elements of different musical kinds putting them together in a truly captivating way.

To have and put into playlists when you’re pissed off. Therapy.

Se penso a Paranoid dei Black Sabbath mi viene in mente l’apocalisse.
[Evito volontariamente di raccontare quanto sia perversamente strepitosa la figura di Ozzy Osbourne, voglio parlare solo di un cult, forse anche classico ma non importa. ]

Paranoid (1970), descrive la vera essenza dei Black Sabbath a partire dal titolo stesso.
È un album lento e denso in cui meravigliose immagini oniriche diventano improvvisamente soggetti di distruzione: 8 canzoni che sono scatti di pura schizofrenia creativa.
Richiami al satanismo, riferimenti di attualità (vedi guerra in Vietnam) e vari ed eventuali delirii da fattanza creano vortici mentali in cui è impossibile non farsi trascinare.
Ma le parole non sono mai casuali, ogni riferimento, anche se tende a nascondersi, è ben specifico.
È un lavoro creato su riff ipnotici e assoli di chitarra, ma soprattutto batteria, di quelli che arrivano alle viscere e ti spezzano qualcosa dentro.
Paranoid è un disco mentale, i toni bassi e le distorsioni ti portano via, ti fanno viaggiare lontano, ti lasciano solo la lucidità sufficiente per comprendere l’abilità strumentale e la forza di questi questi quattro maledettissimi precursori dell’heavy metal.

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When I think about Paranoidby Black Sabbath comes to my mind the apocalypse.

[I avoid willfully  tell how perversely amazing was the picture of Ozzy Osbourne, I speak only of a music cult perhaps classic but it does not matter.]

Paranoid (1970), describes the true essence of Black Sabbath from the title itself.
It’s an album slow and dense where wonderful dreamlike images suddenly become pictures of destruction: 8 songs that are shots of pure creative schizophrenia.
References to Satanism, hot topics (see Vietnam War) and various and possible ravings from fattanza create vortices of mind in which it is impossible not to get carried away.
But words are never casual, every reference, even though it tends to hide, it is very specific.
It is a work created on hypnotic riffs and guitar solos, but mainly drums, those come to the bowel and break something inside you.
Paranoid is mental cd, bass and distortions bring you away, make you travel far, they leave you only the enough lucidity to understand the instrumental skills and the strength of these damn four precursors of heavy metal.

Molti pensano che gli anni ‘ 80 siano stati musicalmente i meno fertili: ottusi.
C’era molta creatività, invece, fantasia, entusiasmo.. c’era il pop.
Credere che la storia della musica sia raccontata solo dal rock e non riconoscere anche l’impatto musicale pop è  arenarsi in stereotipi da snob.
Pensare a George Michaelunicamente come al fattone che si schianta in macchina (sbronzo) contro le vetrine di un negozio o che fa sesso in un bagno pubblico è da bigotti.

George è stato colui che ha dato valore e prestigio al pop.  Ha mostrato a tutti che si poteva creare un prodotto sofisticato e di valore apprezzato su scala popolare.
Dopo lo scioglimento degli Wham, duo  di cui faceva parte con Andrew Ridgeley,  prosegue la carriera solista, pubblicando nel 1987 l’album Faith, prodotto pop ben confezionato, registrato con una purezza di suono assoluta, cavalcato dalla voce suadente e penetrante di un interprete in grado di passare con la massima disinvoltura da ritmi funk a ballate commoventi.
Ritornelli che trascinano, ritmi incalzanti che divertono e fanno muovere le gambe, Faith non è solo un album divertente è anche  romantico e delicato senza essere mieloso.
I brani hanno umori diversi, non si è mai annoiati, le atmosfere e le situazioni cambiano in ogni canzone.

I suoni, le casse e le campionature sono di qualità eccelsa, come solo i migliori professionisti del Regno Unito a quei tempi sapevano garantire.
A rifinire questo bel prodotto il volto di nuovo sex symbol: riscattatosi dall’immagine del biondino sbarbato di pochi anni prima, George Michael si presenta con barba incolta, orecchino e giubbotto di pelle stile biker, bello e quasi dannato.
Morbido e sorprendentemente chic, Faith resta indimenticato in tutto il mondo: l’apoteosi del pop.

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Many people think the 80′s were the least musically fertile: dulls.
There was however a lot of creativity, imagination, enthusiasm .. There was pop.
Believing that the history of music is told only from rock and not recognizing the impact of the 80′s music, is conking out in a snobby stereotype.
Thinking about George Michael as  a drunk car crasher against the windows of a shop or while he having sex in a public restroom is bigoted.

George was the one who gave value and prestige to pop. He showed everyone that you could create a sophisticated product and value enjoyed wide popular.
After the breakup of Wham, in which sang with Andrew Ridgeley , continues his solo career, releasing the album Faith in 1987, a well-packaged pop product, registered with an absolute purity of tone, ridden by a soothing and penetrating voice from sung by a performer able to move from funky rhythms to moving ballads.

Swinging choruses , fast-paced, fun and that make your legs move.  But Faith is not just a fun album is also a delicate and romantic without being saccharine.
The songs have different moods, you’re never bored, the atmospheres and situations change in every song. The sounds, the drums and the samples are of excellent quality, as only the best professionals in the United Kingdom guaranteed at that time.

 To finish this fine product, the face of new sex symbol:redemeed by the image of blond shaved guy of a few years earlier, George Michael is presented with a beard, earring and leather jacket biker style, beautiful and  almost damned.
Soft and surprisingly chic, Faith remains unforgotten around the world: the apotheosis of pop.